Definición de realismo mágico en el MoMA

Alfred H. Barr, director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, definió el realismo mágico en su libro Pintura y escultura en el Museo de Arte Moderno: "término aplicado a veces a la obra de pintores que, por medio de una técnica realista exacta, tratan de hacer verosímiles y convincentes sus visiones inverosímiles, fantásticas o de ensueño" Barr pensaba seguramente en pintores como Peter Blume, Louis Guglielmi o René Magritte. 

Aparición del término KITCHEN-SINK

Fue en el año de 1954 que el témino Kitchen-Sink realism apareció por primera vez en un diario inglés. Todo sucedió debido a que un crítico de arte nombró de esta manera a un artículo que publicó haciendo referencia a la obra de John Bratby en la cual aparece la pintura de un fregadero de cocina (kitchen-sink).

Table Top. John Bratby

A partir de este suceso, las obras tanto de este artista como de otros de la misma tendencia del realismo social fueron categorizadas bajo el nombre de realismo del kitchen-sink.



Exhibición Magritte

En 1933, el aclamado pintor René Magritte tuvo una exhibición personal en la Academia de las Bellas Artes de Bruselas, su ciudad natal 

Academia de las Bellas Artes. Bruselas, Bélgica

Exhibición Delvaux

En el año de 1944, el pintor Paul Delvaux tuvo una exposición privada en el Palacio de las Bellas Artes de Bruselas. 

Jardín Nocturno. Paul Delvaux

Museo de René Magritte

En 2009 abre en el corazón de Bruselas, Bélgica un museo dedicado enteramente a la obra de Réné Magritte. El llamado Musée Magritte Museum tiene calculado un promedio de 500,000 visitantes por año. 

Museo de Magritte. Bruselas

Esta multidisciplinaria colección es la más rica del mundo. Contiene más de 200 obras las cuales consisten en óleos, canvas, pinturas, esculturas, objetos pintados y posters entre otros. Así mismo, en esta institución también se pueden encontrar filmes y fotografías creadas por el mismo Magritte. 

George Tooker

^{George Tooker fue un pintor americano nacido en Brooklyn, Nueva York. Su obra figurativa lo posiciona como un artista del realismo mágico y del realismo social. Su técnica escrupulosamente detallada muestra su afinidad con los antiguos maestros del arte; sin embargo, sus sujetos expresan la desolación espiritual y la debilitación de l vida moderna. Las figuras de sus pinturas lucen parecidas entre sí y dan la apariencia de apatía y de transcurrir por la vida como por automático, sin energía, sin vida.}

Subway. 1950. George Tooker

George Tooker fue elegido en la Academia Nacional de Diseño en 1968 y también fue miembro de la Academia Americana de Artes y Letras. En 2007, fue galardonado con la Medalla Nacional de Artes. Tooker vivió por muchos años en Vermont hasta su muerte en 2011 de una falla del riñón. 

Doors. 1953. George Tooker

^{Este pintor deja un legado muy importante en la cultura norteamericana ya que fue de los primeros pintores en incursionar en el realismo mágico en el arte. Se encargó de mostrar aquellas escenas que generalmente pasan desapercibidas pero que en su época definieron la situación de la población ante la falta de ideales y de vida ante la modernidad.} 

Government Bureau. 1956. George Tooker

Paul Delvaux

Paul Delvaux (1897–1994) fue un pintor belga que destacó en el realismo mágico luego de incursionar en los estilos neo-impresionista y expresionista. 

Sleeping Venus. 1944. Paul Delvaux

La mayoría de sus obras muestran desnudos o semi-desnudos de mujeres en situaciones incongruentes. Las mujeres de sus pinturas son generalmente del mismo tipo: bellas, perfectas e inalcanzables; se muestran perdidas en el pensamiento o en un estado de animación suspendida. Así mismo, los esqueletos y los trenes también son objetos recurrentes de las obras de Delvaux. 

Los escenarios que pinta el artista son muy elaborados arquitectónicamente y reflejan el interés de Delvaux por la antigua Roma. En algunas ocasiones estos escenarios son atemporales, pero en ciertos casos los edificios y los atuendos de los personajes en ellos forman parte de una ciudad del nuevo siglo a la que Delvaux se refería como ‘La Ville inquiète’ (La Ciudad Inquieta).

En 1959 ejecutó un mural para el Palais du Congrès en Bruselas, uno de los encargos decorativos a gran escala que emprendió Delvaux. Fue nombrado director de la Academia real de bellas Artes en 1965. En 1982 se inauguró el Museo Paul Delvaux en San Idesbaldo. Delvaux murió en Veurne en 1994.

La nascita del giorno. 1937. Paul Delvaux

Las pinturas de Delvaux de finales del los años veinte y principios de los treinta, que presentan desnudos en paisajes, están fuertemente influidos por expresionistas flamencos como Constant Permeke y Gustave De Smet. Un cambio de estilo alrededor de 1933 refleja la influencia del «arte metafísico» de Giorgio de Chirico, a quien había conocido por vez primera en 1926 o 1927. A principios de la década de los treinta, Delvaux encontró más inspiración en sus visitas a la Feria de Bruselas, donde el Museo Spitzner, un museo de curiosidades médicas, mantenía un stand en el que se mostraban esqueletos y una figura de Venus mecánica en un escaparate con cortinas de terciopelo rojo. Este espectáculo cautivó a Delvaux, proporcionándole motivos que aparecerían a lo largo de su obra posterior.

A mediados de los años treinta comenzó a adoptar algunos de los motivos de su compatriota belga René Magritte, así como el estilo inexpresivo de dicho pintor al presentar las yuxtaposiciones más inesperadas de objetos por lo demás ordinarios. Encontró en James Ensor y, sobre todo, en René Magritte y Giorgio de Chirico, la inspiración de un estilo al que permanecería fiel hasta el final de su vida, calificado como realismo mágico.

Pierre Roy

Pierre Roy (1880-1950) fue un pintor, ilustrador y diseñador francés. De niño, las relaciones de su familia con Julio Verne causaron un gran impacto en su vida y en su obra como artista. 

Dangers on the Stairway. Pierre Roy

Sus primeros trabajos fueron neo-impresionistas pero alrededor de la década de los veinte empezó a moverse en círculos del arte surrealista, lo que hizo que el pintor modificara su estilo. Sus obras se asemejan mucho a las del pintor magicorealista por excelencia: Rene Magritte ya que crean una sensación de misterio bizarro y utiliza una yuxtaposición de imágenes y objetos representados de manera que parezcan una fotografía. 

Su obra más reconocida es quizás la mostrada previamente, The Dangers of the Stairway. Esta muestra una serpiente descendiendo de una escalera de una común casa de la clase media. Otras de sus obras incluyen diseños para teatro y ballet; además de ilustraciones para libros. 

Peter Blume

Fue un pintor y escultor estadounidense. Sus obras contienen elementos del arte folclórico, precisionismo, purismo parisino, cubismo y surrealismo y del novedoso realismo mágico.

Eternal City. 1934-37. Peter Blume

Admirador de la técnica renacentista, Blume trabajó como caricaturista antes de dedicarse a la pintura. Recibió una Beca Guggenheim en 1932 y pasó un año en Italia. Su primer reconocimiento importante le llegó en 1934, cuando ganó el primer premio por South of Scranton en una exhibición internacional del Instituto Carnegie. En Eternal City (1934-1937) abarcó la temática política: la pintura muestra a Mussolini como un juguete sorpresa que emerge del Coliseo; dado que la obra se presentó en una exhibición de un solo artista y un solo cuadro, atrajo una gran atención por parte de la crítica y del público en general.

Recollection of the Flood. 1967. Peter Blume

Las obras de Blume solían mostrar la destrucción y la restauración de forma simultánea. Aparecen muchas piedras y vigas; el público interpretó a The Rock (1944-1948) como una renovación simbólica después de la Segunda Guerra Mundial. Recollection of the Flood (1967) muestra a las víctimas de la inundación en Florencia de 1966 junto con los encargados de la reconstrucción haciendo su trabajo. The Metamorphoses (1979) invoca la leyenda griega de Deucalion y Pirra, quienes repoblaron el planeta después de un diluvio.

René Magritte

René François Ghislain Magritte (n. 21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica - 15 de agosto de 1967, en Bruselas, Bélgica) fue un pintor conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.

Infinite Gratitude. 1963. René Magritte

Magritte dotó al arte de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Magritte es el realista mágico más conocido, al igual que sus "fantasías del lugar común" concienzudamente realistas. Sus cuadros plantean preguntas sobre la realidad  de representación, así como la oposición entre el esapcio real y el espacio ficticio, y cuestionan el concepto de pintura como ventana del mundo. Sus técnicas convierten los objetos cotidianos en realidades misteriosas; el pintor tenía un interés en la relación entre los objetos, las imágenes y el lenguaje. 

La mayor parte de la obra de Magritte desvía la atención hacia el papel de la vista, las vías a través de las que nuestro intelecto y nuestras emociones condicionan nuestra percepción de la realidad, y en último extremo, cuestionan la realidad que vemos. El mundo exterior presentado por Magritte está lleno de contradicciones, confusiones, enigmas y extrañas yuxtaposiciones; de hecho, es un misterio. 

The Betrayal of Images. 1928-29. René Magritte

A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda Ceci n'est pas une pipe (Esto no es una pipa), cuestionando la realidad pictórica. El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma.

Los Paseos de Euclides.1955. René Magritte

Hace muchas variaciones sobre este tema, quizá la más clara de todas sea Los paseos de Euclides (1955), donde muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a través de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sitúa el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontación naturaleza-ilusión, a la cuarta dimensión.

En 1933 hace una exposición individual en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y en 1936 su primera individual en Estados Unidos en la galería Julien Levy de Nueva York.

En los años cuarenta la obra de Magritte adopta una paleta y una pincelada impresionistas y en 1947-1948 desarrolla sus cuadros llamados fauvistas. La respuesta de la crítica es, en general, hostil hacia estas obras, y Magritte vuelve a su acostumbrado estilo. Son característicos de los años cincuenta los cuadros en los que tanto figuras interiores como paisajes y objetos aparecen convertidos en roca. A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.

Intermission. 1928. René Magritte

"Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockeys en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo o en grupos, como en Golconda (1953), donde una multitud de ellos desciende sobre la ciudad" (Arnason).

En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica. Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston.

Viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica. Muere en Bruselas el 15 de agosto de 1967, pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.

Moses Soyer

Moses Soyer (1899-1974) fue un pintor ruso que se dedicó al arte de la expresión mediante temas de realismo social como la era de la Depresión en América. Nacido en Rusia, fue uno de tres hermanos artistas. Los otros son Raphael e Isaac Soyer. El primero fue hermano gemelo de Moses. Adelante en su carrera, Moses Soyer se dedicó a reproducir imágenes de figuras femeninas, especialmente bailarinas de ballet. 

Dancers in Yellow. 1953. Moses Soyer

La Depresión generó un nuevo estilo expresivo para Soyer. Esta era de cambios y de vida extremista ocasionaron sentimientos en Soyer que le hicieran percatarse de lo que sucedía a su alrededor para plasmarlo en su obra. Soyer comenzó a mostrar a sus sujetos en escenas de la vida cotidiana y de arduo trabajo o en la angustia del desempleo. Su obra se convirtió en un retrato de la sociedad contemporánea de la época. 

Como artista, Soyer fue particularmente sensible a la escasez de empleos durante la depresión; se negaba a realizar pinturas de paisajes y en cambio utilizaba el arte como medio para hacer declaraciones de la realidad social  de su tiempo. 

Después de la depresión, Soyer se inclinó a pintar sujetos y escenas de ballet; sin embargo, su obra aún conservaba su estilo personal que remontaba a la melancolía y la nostalgia. Sus pinturas siguieron siendo de gran popularidad por el resto de su vida.

Joseph Stella Painting Walkowitz. Moses Soyer

Kitchen-Sink

El realismo del Kitchen sink es término designado para describir un movimiento cultural británico que se desarrolló a finales de la década de los 50 y a principios de los 60. Este movimiento abarcó ámbitos como el del teatro, el arte pictórico, la literatura, el cine y hasta programas de televisión. Los "héroes" representados en esta tendencia eran generalmente mostrados como hombres jóvenes enojados. Este movimiento se encuentra directamente relacionado al realismo social ya que muestra escenas de la vida cotidiana que normalmente no se considerarían como arte. Los exponentes de este movimiento se dedicaron a explorar asuntos de índole social y controversias políticas. 

   

Still Life with Chip Frier. 1954. John Bratby

Las películas, obras y novelas que emplearon este estilo se situaban frecuentemente en áreas industriales pobres del norte de Inglaterra donde abundaba la miseria y una realidad de la cual pocos estaban enterados. Los artistas del movimiento del Kitchen-Sink se dedicaron a mostrar lo cotidiano que se encontraba oculto bajo una densa capa de idealismo y de una falsa prosperidad. El término Kitchen-Sink se acuñó de la obra de John Bratby, la cual contenía la imagen de un lavabo de cocina. Luego de eso, un crítico del arte redactó un artículo en 1954 acerca de las nuevas tendencias del arte británico titulado precisamente "The Kitchen Sink" haciendo referencia a la obra de Bratby. El argumento del crítico en base a este artículo fue que había despertado un nuevo interés entre los jóvenes pintores de mostrar escenas domésticas que significaban la constante banalidad de la vida. Artistas como Derrick Greaves, Edward Middleditch y Jack Smith entre otros, se dedicaron a representar a la clase trabajadora, lo que se pretendía era romper con todos los estereotipos preestablecidos de lo que debía ser la sociedad. 

   

Mother Bathing Child. 1953. Jack Smith

Las ideas políticas de estos artistas frecuentemente ocasionaron que fueran considerados como anarquistas y radicales ya que estaban en oposición al orden social que se tenía en ese entonces. 

El término fue luego aplicado a un nuevo estilo emergente del drama que favorece una representación más realista de la vida de las personas de la clase trabajadora. Así mismo, este término fue adoptado por Estados Unidos para referirse a los dramas televisivos de los años 50. 

Dead Chicken in a Stream. 1955. Edward MIddleditch

Jack Smith

Se trata de un artista norteamericano nacido en Columbus, Ohio en 1932. Fue un cineasta novedoso y cuya obra ha sido muy aclamada, pero también se desenvolvió en el ámbito de la fotografía de manera espectacular; pero su obra es muy rara y poco conocida a pesar de su notable talento.

The Beautiful Book. 1960. Jack Smith

Jack Smith se posicionó como uno de los artistas más representativos de la tendencia del realismo social ya que la temática de su obra reflejaba la sociedad norteamericana de esa época. Smith fue altamente criticado debido al contenido de su obra ya que esta es muy explícita y cruda, mostraba una realidad que nadie quería ver.

La más famosa de las producciones de Smith es “Flaming Creatures” (1962). La película es básicamente una parodia de Hollywood y las películas de serie B, un tributo a la actriz María Montez, quien protagonizó muchas producciones. Sin embargo, las autoridades consideraron algunas de las escenas como pornográficas. 

En cuanto a la fotografía, Smith fundó el Hyperbole Photographic Studio en Nueva York. En 1960, publicó The Beautiful Book, una colección de fotografías de artistas neoyorkinos. Esta obra del fotógrafo y cineasta ha sido recientemente re-publicada por la editorial Granary Books.

Flaming Creatures. 1962. Jack Smith

En 1989 y luego de una polémica carrera de la cual destacan principalmente sus producciones cinematográficas, Jack Smith muere de una neumonía relacionada con el sida. Es esta enfermedad un factor determinativo en la temática y el estilo no solo de este artista sino de muchos de los exponentes del realismo social. 

Edward Middleditch

Nacido en Chelmsford, Essex, Middleditch fue uno de los pintores más representativos de su época debido a que formó parte de una tendencia innovadora como lo fue la del realismo del kitchen-sink. 

Breaking wave. 1953. Edward Middleditch

Spanish Garden. 1958. Edward Middleditch 

Edward Middleditch se estableció en la década de los 50 como uno de los pintores jóvenes más poderosos de Gran Bretaña. Inicialmente fue asociado con pintores de la tendencia del kitchen-sink como John Bratby, Derrick Greaves y Jack Smith. El estilo de Middleditch fue devoto hacia la temática naturalista. Su obra a lo largo de las décadas siguientes se concentró principalmente en los elementos. 
A lo largo del tiempo su estilo se transformó en algo abstracto y estilizado, se basó en inspiraciones ajenas a la cultura británica, como carpetas persas y demás objetos árabes; además utiliza esténciles para realizar patrones como parte de la conformación de sus obras. Tanto como pintor como dibujante, Middleditch se situó en un espacio único en el arte británico. Él dibujó sus motivos acerca del mundo natural, sus inspiraciones como el pasto, la pradera, el agua, plumas, pétalos, reflejos, etc. Gradualmente fue modificando su estilo hasta conseguir convertirse en un artista abstracto que representa el movimiento de la naturaleza, tal como el del viento, la luz o el agua. 

Sheffield Weir II. 1954. Edward Middleditch

Ben Shahn

Ben Shahn (1898-1969) fue un aclamado pintor ruso establecido en Estados Unidos desde 1906. Es considerado como el más destacado exponente del arte comprometido social y políticamente, dentro de la corriente del realismo estadounidense. Teniendo una postura política izquierdista, Shahn plasmó con gran fuerza analítica y realismo las condiciones de los marginados, además de episodios políticos particularmente intensos. Hacia los años cincuenta y sesenta, su estilo se hizo más imaginativo, y recurrió a procedimientos derivados de las experiencias de la abstracción.

Mural for the Jersey Homesteads. 1936-37. Ben Shahn

La visión realista-socialista de Shahn se notó fuertemente en su arte y en su proceso creativo. Frecuentemente exploraba temas polémicos de la vida moderna, de la inmigración, injusticia, condiciones laborales, etc. Todo esto manteniendo un tono compasivo y de empatía. Shahn se identificó a si mismo como un artista comunicativo, el cuestionó y modificó las pretensiones antiguas del arte, que desconectaban al artista de su público. Como una alternativa, propuso una relación más íntima y de múltiples beneficios para ambas partes, artista y audiencia. 

East Side Soap Box. 1936. Ben Shahn

Shahn defendió su decisión de utilizar realidades pictóricas en vez de formas abstractas, según él, las formas conocidas permiten al artista descubrir nuevas verdades acerca del hombre para poder reafirmar que su vida es significante. Su estilo se caracteriza por ser contrastante, tanto en la técnica empleada como en la composición de sus obras y su temática.  Así mismo, es muy notorio el uso de simbolismos dentro de sus pinturas con la finalidad de transmitir un mensaje que fuera más allá de lo pictórico, que remontara a algo más, se trata de un arte tanto introspectivo como intencionado. 

Como parte de su obra, Shahn hace referencia a alegorías del Antiguo Testamento, de la humanidad, la infancia, la ciencia, música, felicidad y los puntos en común para exteriorizar su visión del mundo. 

La intención de este artista con sus pinturas era la de inspirar un cambio social, el sostenía que tanto en el arte como en la vida, la combinación de ideas opuestas es vital para el progreso. Su esperanza de lograr una unidad en la diversidad de personas de los Estados Unidos se relaciona con su interés de fusionar diversos lenguajes visuales dentro de sus pinturas, en las cuales se percibe un absoluto dinamismo.

Portrait of an Industrialist. 1944-45. Ben Shahn

Derrick Greaves

The Phantom of Desire. 2007. 
Derrick Greaves

Derrick Greaves es uno de los pintores británicos más importantes de la segunda mitad del siglo pasado. Greaves se posicionó en el mercado del arte en los años 50 cuando representó a Gran Bretaña en el Venice Biennale junto a otros pintores del 'Kitchen-Sink' con los que ha sido asociado, como John Bratby, Edward Middleditch and Jack Smith.

Su obra evolucionó del realismo social de los años 50 a un estilo más heráldico que se desarrolló paralelo al Pop Art de los años 60. La obra de Greaves pasó de ser un conjunto de imágenes basadas en la naturaleza y en realidades observables a convertirse en construcciones más imaginativas y con menos limitantes. 

White Vase. 1972. Derrick Greaves

Greaves fue galardonado con una medalla de oro por pintura en el Festival de la Juventud de Moscú. Así mismo, también ganó un premio especial en la John Moores Liverpool Exhibition en 1957. Desde 1955 ha impartido clases de pintura en la escuela de arte de St. Martin's.

Labourers with Dog. 1953. Derrick Greaves

Domes of Venice  1953-1954 Derrick Greaves

Nan Goldin

Uno de los principales exponentes del realismo social como tendencia artística es la fotógrafa estadounidense, Nan Goldin. Su primer contacto con la fotografía lo tiene a los 15 años en la escuela Satya Community School en Boston. Dos años más tarde, cuando empiezan los años 70, Goldin ya aparece como una aspirante a fotógrafa profesional inspirada, según ella misma, "en las imágenes de las revistas de moda".

The Hug. 1980. Nan Goldin

La fotógrafa ingresa en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, donde se gradúa en 1978. En esa época, además, la fotógrafa empieza a trabajar con películas de color y a emplear luces de flash.

En Nueva York, la fotógrafa encuentra el gran tema de su obra: la narración de la vida sentimental y sexual de ese ambiente. Goldin, de hecho, se califica a sí misma como «fotógrafa documentalista».

Goldin trabaja con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida de sus amigos: inciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad... Para enfatizar el efecto narrativo, Goldin presenta esas imágenes en películas que muestran las fotografías sucesivamente. La más famosa de ellas se llama La balada de la dependencia sexual, y ya muestra el efecto devastador del sida sobre esa generación en 1986. Una de sus series posteriores, La balada desde la morgue insiste en el mismo tema.

Patrick and Terri on their wedding night. 1987. Nan Goldin

El autorretrato se convierte en uno de los temas recurrentes de su obra. Más tarde, la fotógrafa rodaría un documental autobiográfico, I'll be your mirror.

En 1991, Goldin abandona los Estados Unidos y se marcha a Berlín. Desde entonces, la fotógrafa vive entre la capital alemana, Paris y Yale, donde es profesora.

En el año 2007 recibió el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad por su obra.

Nan a month after she was beaten. 1984. Nan Goldin

John Bratby

Bratby fue un pintor inglés que fundó el  estilo del realismo del Kitchen-Sink que tuvo un gran auge en los años 50. La obra de John Bratby se define por su carácter expresivo y de un realismo impresionista. 

Una de las más importantes figuras de influencia para Bratby fue Vincent van Gogh ya que su estilo crudo, realista y agresivo incitó a Bratby a crear arte de una manera novedosa y sobre todo fuera de lo convencional y de lo establecido como arte bello e idealista.  

Puss in Boots. 1978. John Bratby

El estilo expresionista de Bratby fue conocido como realismo del kitchen-sink a raíz de una obra del artista que denominó a un género de esta manera. (ver Kitchen-Sink). Las desigualdades y banalidades de la vida también formaron parte de la temática de la obra de Bratby, además de la representación  de escenas de la vida cotidiana de la clase media y media-baja. El pintor se caracterizó por pintar objetos de cocina así cono utensilios, vajillas y formas semi-abstractas. Además pintó baños, de hecho realizó tres destacadas obras de escusados. 


En 1958, Bratby creó obras para el artista ficticio Gulley Jimson de la película de Alec Guiness, The Horse's Mouth. Dos años después publicó una novela titulada Breakdown, la cual fue calificada por ciertos lectores como casi-autobiográfica. Esta novela fue la primera de una saga de cuatro. 

Patti on a Studio Stairs. John Bratby